El encuentro con su más que dramático trabajo me hizo colegir que se puede hablar de eficacia de la obra artística cuando ésta provoca un choque entre lo captado por el intelecto y lo asimilado por los sentidos: cuando va desatándose uno de los nudos de lo humano que suelen pasar desapercibidos en la inmensidad del mar de imágenes que nos abruman cotidianamente. La emoción estética que provoca el trabajo de Sergio Garval es contundente a pesar de la dureza de los temas a los que se atreve. Sus piezas son de esas que no se pueden soltar fácilmente.

Poco a poco he ido descubriendo que al pintor nacido en Guadalajara, Jalisco en 1968, le interesan los comportamientos colectivos y he comprobado, después de acudir una y otra vez a su pintura, que existe un desplazamiento muy evidente del enfoque común, centrado en la persona y en la escena principal, la visión de lo que está sucediéndole a uno, hacia la reacción de la colectividad. Esta es una de sus propuestas más interesantes y originales con respecto al trabajo de sus colegas. La voluntad de Garval de referirnos a un mundo público violentado, a una serie de espacios en los que no existe el sanador espacio privado es golpeadora. En años recientes ha desarrollado "Hormigas", una serie de fuertes escenas en torno a ciertos comportamientos colectivos que asimilan al ser humano con el animal y mediante piezas como "Un día como cualquiera" nos echa en cara la certeza de que cotidianamente suceden en el mundo masacres como la que logra representar de manera brillante mediante tintas sobre la tela imprimada en blanco, luciendo su gran capacidad para el dibujo. La perspectiva de ojo de pájaro de la que gusta mucho, acentúa la idea del comportamiento grupal y animal al minimizar y componer a las figuras con la intención de reflejar lo grotesco, lo que no va con la idea de los buenos modales. No está por demás añadir que sus personajes en carritos del supermercado responden de igual manera a un análisis sociológico del individuo y no a la necesidad de mostrar su tragedia personal, íntima.

Otro asunto muy patente en las diversas series temáticas que Garval propone al mundo es la carne, asunto poderosísimo y sempiterno, aunque a veces pasado por alto en la historia del arte. A pesar de que en años recientes se ha venido haciendo presente en las salas de algunos museos (los trabajos de Lucien Freud, Francis Bacon y Jenny Saville son especialmente notables en esta línea), en nuestro país no se había demostrado un especial interés en demostrar la morbidez del cuerpo, la parte innoble, no museable del mismo[1]; algunas muestras tan ilustrativas como "El cuerpo aludido", del MUNAL, de hace unos 6 años picaron el interés de algunos aficionados a la verdad como valor supremo, pero el avance en materia de corpulencias y desinhibiciones ha sido lento. De ahí que podamos decir que las encarnaciones creadas y empastadas sin temor por Garval marquen un hito importante en la historia del arte mexicano contemporáneo; un territorio al que no muchos se acercan.

En sus pinturas, los acabados lisos y las transiciones graduales en los planos corporales ceden el paso a los brochazos impulsivos y un tanto expresionistas. El artista rompe con la noción del gran gusto (gestos nobles, fluidez continua de los movimientos y relaciones armónicas entre empujes y tensiones de las anatomías), pues le interesa quitar caretas, sopesar valores morales y referirse a su doctrina ya no como imitadora de la realidad, sino como intérprete de la misma; su actividad es intelectual, más que mecánica y por eso destroza, fragmenta y martiriza. Manifiesta crisis.

Vivimos en un mundo maniqueo, en una cultura reduccionista en la que se prefieren los lenguajes sencillos, las obras fáciles, la clasificación sin problemas y eso es lo que algunas galerías y museos privilegian por cumplir con el mercado. La obra de Garval, por el contrario, nos devuelve la humanidad completa por cuanto se niega a participar de las limitaciones de la imagen mediatizada. Y al resolver el asunto de manera sobresaliente, complaciéndonos por su manejo plástico del espacio pictórico y de la figura humana, al atreverse a abordar lo oscurito, la sombra de la que hablaba Jung, pone el dedo en la llaga de la cultura contemporánea y complementa la cultura artística contemporánea con una muy fresca propuesta.

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My encounter with his more than dramatic work made me deduce that the effectiveness of an art piece happens when it makes intellect and sensitivity collide. It is then when a knot begins to disentangle, something that otherwise would pass unnoticed among the vastness of images that overwhelm us every day. The aesthetic emotion that Sergio Garval’s work provokes in us is radical despite the harshness of the subjects he dares to depict. His are that kind of pieces that one cannot easily let go.

I’ve started to discover slowly that this artist born in Guadalajara , Jalisco in 1968 is interested in the behaviour of groups of the masses. I have also confirmed, after looking his paintings once and again, that there is a rather evident displacement from a common focus which is always centred in one person within a main scene ; he focuses in the collective reaction to what is happening to one individual. This is one of his most original and interesting proposals in comparison with his colleague’s work. Garval’s will to take us to raped public spaces is shocking, they are a series of environments where there isn’t a safe, healing private space. He has worked recently in Ants, a series of shocking scenes about certain collective behaviours that approach people to animals. Works like Just another day faces the fact that crimes happen daily in the world, depicting it through inks on the white canvas that make his drawing skills stand out. The bird’s eye view that he enjoys using so much highlights the idea of animal behaviour of groups of people by reducing and minimizing the human figure turning it to grotesque, to what is no related to politeness. I should also mention that his representation of people in trolleys also respond to a sociological analysis of individuals and not to the need of showing their personal, intimate tragedies.

Another subject of the several series that Garval proposes to the world is Flesh, a rather powerful and everlasting matter which is sometimes overlooked in Art history. Despite the fact that in recent times the morbidness of the body has been presented in galleries and museums through the work of artists such as Lucien Freud, Francis Bacon and Jenny Saville (very remarkable in this matter), Mexican artists have not showed a particular interest in the matter of flesh in the ennoble, not artistic aspect of it.

About six years ago, some exhibitions as illustrative as El cuerpo aludido (The quoted body) at Mexico’s MUNAL (National Museum of Art) arose the curiosity of some enthusiasts of the truth as supreme value, but any progress in the appreciation of the bulkiness or uninhibitions of the body has been slow. We can therefore say that incarnations fearlessly created and pasted by Garval have marked an important milestone in the history of Mexican contemporary art. It is a territory that very few deal with.

In his paintings, flat finishing and gradual corporal transitions make way to impulsive, kind of expressionist brushstrokes. Garval breaks the notion of good taste (noble gestures, continued fluency of movements and harmonic relations among strain and flexibility of anatomy). He is interested in unmasking and weighing up moral values referred to his own doctrine not as imitator of reality but as a translator of it. His is a more intellectual than mechanic activity, thus he destroys, fragments and torments. He cries out crisis.

We’re living in a Manichean world, in a reductionist culture where simple languages, easy works, trouble-free classifications are looked after. That’s what some galleries and museums privilege to fulfil the market. Contrary to that, Garval’s work gives us back full humanity since it refuses to participate in the limitations of the media-managed image; meanwhile, he solves the matter in an outstanding way at the same time that he pleases us with his keen artistry of both the graphic space and the human figure. By daring to enter into the dark side, the shade that Jung talked about, he touches a sore spot in contemporary culture with a very refreshing proposal.